I. L'ARTISTE ET LA SOCIÉTÉ : FAIRE OEUVRE FACE A L'HISTOIRE ET A LA POLITIQUE
L'artiste peut utiliser son art pour faire part de son regard sur la société ou l'histoire. On parle d'art engagé. C'est un terme large qui désigne une forme d'art dont le but n'est pas forcément la recherche du beau, d'une forme d’esthétisme, mais plutôt de faire passer un message, de dénoncer ou de revendiquer. Il y a :
- l'engagement politique où on peut trouver une forme de propagande du pouvoir en place et qu'on retrouve très tôt dans l'histoire de l'art, et il y a la contestation et la résistance comme par exemple Pablo Picasso l'a fait avec son célèbre "Guernica".
- l'engagement social qui se rapproche de l'engagement politique qui dénonce des faits ou un ordre social comme nous verrons avec le dadaïsme.
- l'engagement religieux très présent depuis que l'art existe, il est devenu aujourd'hui en Europe plus une affaire personnelle qu'une affaire institutionnelle (comme par exemple dans le travail du street artiste COMBO). Au XVIe siècle Cranach le Jeune proche de Luther, montre à travers ses gravures une oeuvre de propagande dénonçant les abus de la religion catholique et la corruption.
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| "La vraie et la fausse église" Lucas Cranach gravure coloriée 1546 |
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| message de paix du street art Combo "CoeXisT"2015 |
ENGAGEMENT POLITIQUE
► FRANCISCO GOYA "TRES DE MAYO" 1814
Le tableau "Tres de mayo" est une peinture renommée du Romantisme qui a vu le jour après les événements tragiques du 2 au 3 mai 1808 où des soldats français exécutent des combattants espagnols prisonniers qui se sont révoltés contre l'occupation de la ville par la France. 400 personnes seront assassinées.
Cette peinture marque une rupture avec les conventions de l'époque, et les représentations traditionnelles de la guerre. Cette toile est considérée comme révolutionnaire au niveau du style, du sujet et de son intention. Les représentations ne sont pas réalistes, le personnage martyr est pourtant à genoux mais bien plus grand que tous les autres, la lanterne n'éclaire qu'un côté, la touche est assez grossière dans certaines parties, Madrid au fond ne ressemble pas vraiment à la ville, et à gauche les personnages sont à peine esquissés, ce qui est totalement nouveau en cette période romantique.
Francisco Goya est un peintre officiel de la cour. Durant ces événements il se retrouve en position délicate. Napoléon détrône le roi d' Espagne Charles IV pour y mettre à sa place son frère Joseph Bonaparte. Les espagnols se rebellent et se font massacrés par l'armée française. Ayant eu de la sympathie pour la Révolution Française de 1789, et pensant que ses idéaux permettraient de libérer l'Espagne pour devenir un système politique démocratique, Goya se retrouve révolté face à ce massacre. Plusieurs de ses amis soutiennent Joseph Bonaparte, nouveau roi d'Espagne et frère de Bonaparte I. Malgré ce changement Goya va rester peintre officiel de la cour, donc de Napoléon.
Francisco Goya fera à la fin de la guerre d'Espagne deux toiles parlant du 2 et 3 mai. "le Dos de Mayo" et "le Tres de Mayo"Pour obtenir la commande officielle des tableaux qui deviendront des chef d’œuvre Il écrit son intention de : « Perpétuer au moyen du pinceau les notables et héroïques actions ou scènes de notre glorieuse insurrection contre le tyran de l’Europe ».
Véritable témoin de son époque, ses œuvres témoignent d'un engagement politique.
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| "Dos de mayo" 1814, réalisé deux mois avant le Tres de mayo.huile sur toile 266 x 345 Il représente le soulèvement du peuple espagnol qui provoque les exécutions du trois mai. |
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| "Tres de Mayo" 1814 huile sur toile 268 x 347 |
ENGAGEMENT SOCIAL et POLITIQUE
► DADA MOUVEMENT NE EN 1915
En pleine première guerre mondiale, Dada naissait. Des artistes et écrivains réfugiés en Suisse Tristan Tzara, Hans Arp, Hugo Ball... contestaient l'absurdité de cette guerre. Le dadaïsme s'est ensuite déplacé à Paris. Plusieurs manifestes ont été proclamer dans l'intention de choquer, de créer la polémique.
Exemple de manifeste de Philippe Soupault :
"Depuis que nous sommes au monde, quelques paresseux ont essayé de nous faire croire que l’art existait. Aujourd’hui, nous qui sommes plus paresseux encore, nous crions : « L’Art, ce n’est rien ». Qui me dira ce que c’est que l’Art ? Qui osera prétendre connaître la Beauté ? Je tiens à la disposition de mes auditeurs cette définition de l’Art, de la Beauté et tout le reste : l’Art et la Beauté = Rien"
Les artistes rejettent les conventions, les principaux représentants sont Hans Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, George Grosz, Francis Picabia et Man Ray.
Dada est proche du militantisme radical, il est irrespectueux, proclame une liberté d'expression.
Hugo Ball, écrivain, dramaturge, fonde avec sa compagne Emmy Hennings (poète et danseuse) le Cabaret Voltaire à Zurich en 1916. Il fermera ses portes 6 mois plus tard pour tapage nocturne. C'est dans ce cabaret que va naître DADA. Une grande liberté y est proposée aux artistes;
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Hugo Ball en costume cubiste au Cabaret Voltaire 1916 Zurich le 23 juin 1916, Hugo Ball monte sur scène avec un costume cubiste et commence à réciter un poème sans queue ni tête, avec des onomatopées. le nom "DADA" est trouvé par hasard dans le dictionnaire. Marcel Duchamp veut se débarrasser de "l'art rétinien" qui pour lui n'existe que pour plaire aux yeux et stimule moins l'esprit.  Marcel Duchamp "tonsure en forme de comète" 1919 la photographie a été prise à Paris à son retour d'Argentine. Son geste est dada, incité d'une part par la présence de poux suite à son voyage, d'autre part par sa volonté moqueuse de se positionner anticlérical (rite de passage des jeunes hommes désirant devenir prêtre chez les catholiques consistant à se raser une partie de la tête). Hans Arp : l'artiste cherche à introduire le hasard dans son travail de collage qu'il nomme "suivant les lois du hasard". Il secoue la boîte dans laquelle sont posés des papiers découpés et peints et les fixe selon le hasard. Il y a une grande spontanéité dans ses collages. Il préfère parler d'art concret plutôt que d'art abstrait. « Je trouve qu'un tableau ou une sculpture qui n'ont pas eu d'objet pour modèle sont aussi concrets et sensuels qu'une feuille ou une pierre. »
Max Ernst utilise entre autre la technique du collage. L'image est uniforme, elle a une forme de logique et pourtant elle est absurde. « Si ce sont les plumes qui font le plumage ce n’est pas la colle qui fait le collage ».Max Ernst. Il se rapprochera d'ailleurs par la suite du surréalisme. L'incongru et l'humour font partie de sa démarche. L'étrangeté s'en dégage. Ici ci-dessous, dans "le Rossignol chinois" une photographie d'une bombe aérienne est au centre du collage, élément principal de la composition. Et pourtant on a du mal à l'identifier. Elle devient une forme hybride grâce au collage avec d'autres formes : des bras et un éventail. Max Ernst a été enrôlé durant la guerre et il tourne en dérision ici les performances techniques allemandes.  Max Ernst "le Rossignol chinois" 1920 photomontage 12.2x8.8 Musée de Grenoble.  George Grosz "Souviens-toi de l'oncle Auguste, le malheureux inventeur" 1919 huile, crayon, papiers et cinq boutons collés sur toile 49x39.5 Francis Picabia exerce un humour provocateur et controversé. Dans "Danse de Saint-Guy" de 1919, il parle de transparence et d'absence de toile et de matière picturale. La toile devient absurde avec son cadre et ses ficelles et ses quelques cartons devenus supports pour le nom et le titre. L'oeuvre ne doit plus être accrochée contre un mur, mais suspendue pour être mobile. Il remet en cause les règles académiques, bouscule les conventions avec humour.  Francis Picabia "Danse de Saint-Guy" 1919 Ficelles, encre sur carton, assemblés dans un cadre en bois 104.4x84.7 ENGAGEMENT SOCIAL : ► VALIE EXPORT née EN 1940
AUTRICHE Elle naît en
pleine seconde guerre mondiale, elle est élevée par sa mère avec ses deux soeurs,
son père meurt en 1942 et elle raconte que lors de ses études à
l'école des arts et métiers ses professeurs sont d'anciens nazis. Devenue
artiste elle interroge la place de la femme dans la société et l'image que
l'homme lui donne, elle ressent le besoin de se défaire du nom de son père et
de celui de son ex-mari. Elle veut se créer sa propre identité et choisit de
s'appeler VALIE EXPORT en majuscule, VALIE pour le côté féminin et EXPORT en
référence à la marque de cigarette "smart export" dont l'image est
très masculine. « Changer de nom a été une nécessité absolue pour s'opposer aux
règles, au nom du père, à celui du mari, pour s'affranchir de toutes ces
choses. Je l'ai conçu comme un acte de rébellion » Valie Export En 1968 elle réalise VALIE EXPORT - SMART EXPORT autoportrait
photographique en noir et blanc ressemblant à une publicité pour le paquet de
cigarette sur lequel elle apparaît. Sa posture est machiste, agressive, avec sa
cigarette à la bouche et le paquet de cigarettes au premier plan.  Elle utilise
son corps comme base de son travail. Elle combat les stéréotypes, et rend son œuvre
provocatrice pour que le public ne soit pas dans la contemplation mais dans la
réaction.  VALIE EXPORT Transfert d'identité 1 1968, imprimé fin des années 1990 photographie noir et blanc sur papier Les autoportraits "transfert d'identité 1, 2,
3" cultivent l’ambiguïté dans la représentation du genre et reflètent
cette tendance des années fin 60 où les vêtements masculins et féminins ont
commencé à fusionner et à se confondre. Les hommes portaient des pantalons
serrés et des bijoux, ainsi que les cheveux longs et le mouvement féministe
apparaissait. La veste est blanche, près du corps, ouverte, dévoilant en partie
son corps.  VALIE EXPORT Transfert d'identité 2 1968, imprimé fin des années 1990 photographie noir et blanc sur papier 100.6x73.8x3.6 Peu de temps après son changement d'identité, elle
crée ses autoportraits "transfert d'identité 1, 2 et 3". Ici elle
porte un pantalon noir serré, une perruque frisée aux cheveux courts, une
grosse chaîne en or, un maquillage, et une veste près du corps masculine
ou du moins androgyne. Ses mains reposent sur ses hanches, elle joue à la fois
un personnage mi féminin, mi masculin, et à la fois son propre rôle. ENGAGEMENT RELIGIEUX ET SOCIAL : ►COMBO né en 1989 dit Combo Culture Kidnapper Combo est l'abréviation de "combinaison".Street artiste, Combo se définit ainsi. Né d'un père libanais chrétien et d'une mère marocaine musulmane, son mélange identitaire est sa force. «Toute ma famille est une mosaïque de cultures et c’est incroyablement enrichissant quand on prend conscience de la force que cela peut avoir» C'est un artiste qui a un engagement politique, social et religieux. Il joue avec les stéréotypes, pénètre dans la zone interdite de Tchernobyl pour y accrocher des affiches faisant l'apologie du nucléaire lors du 1er anniversaire de Fukushima, la confrontation de l'affiche publicitaire avec le lieu est ironique et fait remonter cet événement tragique et catastrophique dans les mémoires à l'heure où Fukushima vit des moments graves. La zone est fermée et son travail photographique témoigne du lieu à l'abandon. Il réactive ainsi notre mémoire d'un événement pas si lointain. Il joue avec les mots pour dénoncer des faits sociaux "la barbe ne fait pas l'imam" ou "pour vivre hébreux, vivons cacher". Après les attentats de Paris il crée un logo pacifiste "Coexist" où les trois symboles principaux des religions monothéistes sont liés : un croissant musulman, la croix de David et une croix chrétienne. Il aborde les sujets tels que la religion, l'homosexualité, les discriminations, les inégalités. Il travaille par collage et graffitis, pochoirs. Il s'inspire de la culture populaire : BD, dessins animés, jeux vidéos, jouets ou de l'actualité, son travail parle à tous. Son travail plastique appelle au changement dans nos sociétés. Il diffuse des messages à valeurs pacifistes et dénonce la censure. Il parodie les affiches des candidats aux élections françaises en collant des panneaux d'affichage électoraux « L’objectif est de faire comprendre le champ lexical qui est derrière les slogans des candidats, de les décoder et de les décrypter », a déclaré Combo dans le journal Le Monde le 11 avril 2017.     Durant la campagne municipale à Paris en 2014, Combo colle dans les rues sur les panneaux dédiés aux affiches ses parodies.     II. L'ART, LES SCIENCES ET LES TECHNOLOGIES La collaboration entre scientifiques et artistes ne date pas d'aujourd'hui. Dès le quattrocento, sciences et art sont étroitement liés. Les artistes se fabriquent eux même leurs couleurs, et sont initiés à la technique de la fresque qui demande une bonne connaissance des matériaux et des pigments ainsi que de leur réaction, il faut donc avoir des notions de chimie, on commence à comprendre la perception de l’œil et on s' intéresse à la perspective, donc à la géométrie, et les peintures étant liées au bâtit il faut avoir des notions d'architecture. Durant la Renaissance il n'est pas rare que les artistes soient à la fois mathématicien, scientifique, peintre, architecte. Voici quelques grands noms d'artistes, scientifiques célèbres : ►Raphaël (1483-1520) est peintre et architecte italien de la Haute Renaissance, on lui confie en 1509 la décoration du palais du Vatican (Il travaillera à la fois sur cet énorme chantier et exécutera des commandes de portraits aux traits délicats) puis en 1513 le chantier de la basilique Saint Pierre où il s'occupera de réaliser les plans et dirigera les équipes chargées de la construction, cependant il ne verra jamais son projet réalisé en mourant précocement. En 1520 il est emporté par la Malaria, ses nombreux dessins et carnets de croquis témoignent des recherches incessantes qu'il effectuait pour trouver la perfection.   « Quand Raphaël mourut, la peinture disparut avec lui. Quand il ferma les yeux, elle devint aveugle. » Giorgio Vasari.  Etude de la mise au tombeau Raphael 1507 ► Michel-Ange (1475 1564) Italie Il est peintre, sculpteur, architecte, poète et urbaniste florentin de la Haute-Renaissance. Il pratique l'étude de l'anatomie, collabore avec un médecin pour faire l'illustration d'un traité d'anatomie, il procède à des allongements du corps et des distorsions pour atteindre une plus grande expressivité.  Dessin du traité d'anatomie de Michel Ange. Plume.  Contrairement à d'autres Pietà, Michel-Ange donne plus d'importance à la beauté de la Vierge qu'à sa douleur. Le Christ est représenté selon son âge et semble plus vieux que sa mère. Michel-Ange aurait expliqué « Ne sais-tu pas que les femmes chastes se conservent beaucoup plus fraîches que celles qui ne le sont pas ? Combien plus par conséquent une vierge, dans laquelle jamais n'a pris place le moindre désir immodeste qui ait troublé son corps ... ». Il est considéré comme un des génies du cinquecento, il s'inspire des anciens, il s'intéresse au volume, à la musculature, à la forme massive des corps, il emprunte des idées aux artistes du quattrocento, à la beauté des corps, à leur puissance, il innove en mélangeant des couleurs vives, claires, il mêle décor et corps, sa vision de sculpteur se retrouve dans sa peinture. On le voit bien dans la fresque de la chapelle Sixtine qui témoigne d'une grande maîtrise technique. Il y a travaillé seul sur un échafaudage.  Au départ Michel-Ange travaille avec 6 aides, mais il est déçu et ne garde qu'un apprenti qui lui fait ses couleurs et un maçon qui lui prépare les enduits.   On retrouve les corps massifs qui rappellent ceux des sculptures, les torsions, et la musculature imposante, ainsi que le lien étroit entre image et architecture, il y a des trompe-l' œil.   La Basilique Saint Pierre eut plusieurs architectes dont Raphaël et Michel-Ange. Ce dernier fût l'auteur des bâtiments tels qu'ils sont aujourd'hui. il reprit le chantier en pleine construction succédant aux autres architectes. Il mis un point d'honneur à inclure les projets de ses prédécesseurs dans une vision d'ensemble. Il est l'auteur du choeur dominé par l'immense dôme  Le dôme s'élève à 136 mètres, il est le second dôme le plus haut du monde. Il est constitué de deux coques, celle à l'extérieur est en pierre. Michel-Ange meurt en 1569 avant que le dôme ne soit finit, il sera confié à deux autres architectes Giacomo della Porta et Domenico Fontana qui achevèrent la construction en 1590. Michel-Ange avait laissé des plans et un grand modèle en bois. Les deux architectes procédèrent à quelques modifications qui ne dénaturaient pas le projet.    ► LEONARD DE VINCI 1452 1519 Peintre, homme d'esprit, scientifique, ingénieur, inventeur, anatomiste, sculpteur, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, poète, philosophe et écrivain italien, peut-on trouver homme plus complet ? Il a laissé derrière lui des carnets, notes, dessins, documents scientifiques, et de nombreuses idées qui témoignent de son avance sur son temps comme des prototypes d'avion, d'hélicoptère, de sous-marin, d'automobile. Très peu de projets sont réalisés de son vivant. Ses peintures sont peu nombreuses, à peine 16, cela est dû à ses expérimentations de nouvelles techniques qui n'ont pu être conservées. Il s'occupe de l'étude pour le dôme de la cathédrale de Milan, réfléchit à des projets techniques et militaires. En 1500, il est employé comme architecte et ingénieur militaire par la ville de Venise pour élaborer des méthodes pour défendre la ville d'attaques navales turques, il invente ainsi le scaphandre à casque . Mais il n'y u jamais d'attaque et l'invention ne fut jamais utilisée.     Il étudie l'anatomie, le vol des oiseaux, la lumière, l'optique, l'hydrologie, tout l'intéresse. En observant le vol des oiseaux, Léonard de Vinci cherchait à percer les lois physiques qui leur permettent de voler. Il a ainsi décortiqué les notions de portance et de traînée : – la portance est la force qui permet de contrecarrer le poids pour la sustentation : elle est créée par la différence de pression entre le dessus et le dessous d’une aile, – la traînée est la force de résistance à la pénétration dans l’air lorsqu’un corps est en mouvement. La traînée doit être compensée par la propulsion. Ainsi, il comprend que le battement d’aile de haut en bas ne contribue pas à la portance mais à la propulsion. Il avait compris que ces deux forces étaient fonction de la surface de l’objet (donc de sa forme) et de la vitesse de circulation de l’air autour de lui (en fait c’est même de la vitesse d’air au carré). Bien que les machines qu’il avait pensées n’aient jamais pu “décoller” faute d’une propulsion suffisante, les bases des principes physiques de l’aéronautique sont posées En 1515 le nouveau roi de France François 1er devient son mécène et l'installe au château du Clos Lucé et il devient le 1er peintre, 1er ingénieur et 1er architecte du roi. De Vinci travaille comme ingénieur, architecte et metteur en scène, il organise des fêtes pour la Cour, il réalise pour la Reine la construction d'une nouvelle maison sur les fondations d'un château médiéval existant, intégrant le détournement d'une rivière. Les travaux sont commencés mais resteront inachevés à cause de la Peste et sans doute de la mort de Léonard. Il eu l'autorisation de disséquer des cadavres humains à l'hôpital Santa Maria Nuova à Florence et dirigea plusieurs autopsies. Il écrivit un traité d'anatomie. Il a collaboré dans ses recherches avec le médecin Marcantonio della Torre. Il a dessiné des squelettes, muscles, tendons, organes, et fit l'un des premiers dessins scientifiques d'un fœtus dans l'utérus.     Léonard de Vinci, Utérus de vache gravide, vers 1508, plume et encre sur traces de pierre noire, 19,2 × 14,2 cm
"Mon travail est comme un virus que j'inocule pour générer des anticorps..." Joan Fontcuberta. Ses images fictives prises au premier degré ont généré un débat sur la rigueur de la recherche scientifique. Par exemple, en 2007, une émission a repris sur une heure de grande écoute l'histoire du cosmonaute russe perdu dans l'espace sans avoir vérifié l'information. Et les téléspectateurs ont appelé l'ambassade russe pour protester, lequel s'est manifesté.  Joan Fontcuberta "Spoutnik" Ivan et Kloka effectuant leur sortie historique hors de la capsule 1968 tirage gélatino argentique.
Avec "Spoutnik" Fontcuberta raconte l’histoire d'un cosmonaute soviétique Ivàn Istochnikov disparu dans l’espace en 1968, les autorités s'en étant débarrassé. Une photographie montre son portrait 'on y reconnait Joan Fontcuberta lui-même jouant le rôle), une autre le montre avec plusieurs personnes, avec à côté la même image avec le cosmonaute effacé. Un journaliste américain s’intéresse à l’histoire, fait des recherches et le réhabilite, ce qui est le thème de l'exposition. Cette histoire inventée de toute pièce par l'artiste a été prise au sérieux par la chaîne TV espagnole.
Dans sa série "FAUNA" de 1989 il mêle faux documents, animaux empaillés, installations et publications, et crée un lien très étroit entre sciences et art : là encore il raconte une histoire.: celle du professeur Ameisenhaufen, zoologiste, spécialisé dans les espèces disparues. Fontcuberta, et le père Formiguera auraient écrit la (fausse) biographie de ce chercheur. L'artiste gagne la confiance du spectateur en utilisant les codes de la science et des musées traditionnels (cartels, vitrines, ossements...) et en créant des installations qui semblent authentiques. L'exposition commence avec le texte ci-après : Au cours des vacances d'été 1980, dans une lugubre demeure transformée en bed and breakfast de la côte escarpée de Cap Wrath, au nord de l'Écosse, mon ami Pere Formiguera et moi fîmes la découverte d'étranges archives. C'était au cours d'un après-midi déprimant, je m'en souviens ; une pluie torrentielle nous empêchait de sortir et, je ne sais plus pour quelle raison, nous descendîmes dans la cave. La vue de ce réduit humide et malodorant éveilla notre curiosité, avides de trésors oubliés. Sur des étagères voilées de toiles d'araignées étaient empilés des cahiers et des feuillets couverts d'annotations en allemand, des plaques photographiques et des contacts déjà jaunis, des instruments de dissection et des flacons de formol ; éparpillés sur le sol, quelques animaux empaillés qui donnaient la chair de poule. es deux jours suivants, quoiqu'il fît un soleil splendide (un cadeau du Ciel dans ces régions), nous n'abandonnâmes pas cet antre, véritable caverne d'Ali Baba des sciences naturelles, émerveillés par le contenu des photographies et attelés à déchiffrer des textes énigmatiques. C'est ainsi que nous arrivâmes à la conclusion que leur auteur était un zoologiste de l'école néodarwiniste qui s'était plongé, durant trente ou quarante ans, dans de précoces études tératologiques. Son nom était Peter Ameisenhaufen (...). Joan FONTCUBERTA, Fauna, LE BESTIAIRE INCROYABLE DU PROFESSEUR AMEISENHAUFEN  Joan Fontcuberta "archives Ameisenhaufern en 1980" série Fauna. le chasseur et le guide d safari Wilhelm Ameisenhaufen, père du professeur vers 1900 série Fauna
Les photographies sont truquées à la main, en laboratoire sous l'agrandisseur, en argentique et interroge le spectateur sur son rapport à la photographie et le rôle de cette dernière : l'image est-elle une preuve de la véracité des faits ? Evidemment, il y a beaucoup d'humour et de malice dans le travail de Joan Fontcuberta, il nous met gentiment en garde sur ces images trompeuses qui nous entoure. ► HUBERT DUPRAT né en 1957 FRANCE Hubert Duprat associe connaissances scientifiques et arts. Il collabore avec des larves de Trichoptères qui se bâtissent un fourreau de protection avec les matériaux du milieu dans lequel elles vivent (gravier, brindilles, feuilles...). Il crée un dispositif dans lequel il va placer ces larves en présence de feuille d'or, de perles et pierres précieuses. les larves commencent ainsi leur travail et deviennent orfèvres. L'artiste s'intéresse à l'archéologie, l'histoire, l'optique, les sciences naturelles . L'insecte devient artisan, l'œuvre est faite de manière hasardeuse selon le bon vouloir de l'insecte. Puis, lorsque la larve se transforme, elle abandonne le fourreau, qui devient sculpture. La nature et l'artifice s'entrechoquent, l'insecte fait son œuvre, Duprat crée les conditions idéales pour que la larve puisse vivre au détail près qu'il lui change ses matériaux. Le dispositif est autant exposé que le résultat. Le spectateur peut observer le travail des larves dans un aquarium accroché au mur.
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Trichoptères, 1980-2015, Hubert Duprat
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Tube de trichoptère, 1980-2015, Hubert Duprat
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Tube de trichoptère, 1980-2015, Hubert Duprat |
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trichoptère, 1980-2015, Hubert Duprat
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En 2016, l'université de Technologie de Delft au Pays-Bas, associée à Microsoft, dévoile un nouveau projet collaboratif entre historiens d'art, développeurs et data-analystes, réalisé grâce à l'intelligence artificielle : la création d'une nouvelle toile de Rembrandt bien après sa mort (rappelons que Rembrandt est mort en 1669 (17e siècle). Un algorithme est créé pour apprendre toute l'œuvre du peintre, comprendre sa technique, sa manière de peindre le clair-obscur. La machine a scanné en très haute définition plus de 160 000 fragments de 346 toiles de Rembrandt.
Echantillon des œuvres de Rembrandt pour créer la base de données
Le thème du portrait a été retenu car c'était un des sujets de prédilection de l'artiste. Les ingénieurs et universitaires se sont donc focalisés sur les portraits faits entre 1632 et 1642. L'étude a permis de dresser le portrait d'un personnage imaginaire que le peintre aurait pu peindre : "un homme caucasien, barbu, de 30 ou 40 ans, portant des vêtements sombres, une collerette et un chapeau, regardant vers la droite" selon le directeur technique du projet Emmanuel Flores.
Pour la réalisation, il a fallu développer une intelligence artificielle qui puisse apprendre le style de l'artiste avec un algorithme de reconnaissance faciale. Il a fallu plus de 500 heures de calculs.
Une fois le portrait réalisé de manière numérique, il a fallu lui donner corps avec une impression 3D. L'imprimante 3D a déposé strate par strate sur la toile de la matière pour recréer la matérialité de la peinture à l'huile avec ses épaisseurs. 13 couches ont été nécessaires.
Ainsi, la rencontre entre les sciences, les nouvelles technologies et l'art laisse entrevoir un monde où les machines pourront apprendre des humains pour ensuite peindre à leur place. Mais cela soulève des questions réflexions éthiques intéressantes. Les machines peuvent elles être douées de sensibilité ? Sont-elles créatives ?Autonomes ? Qui est l'auteur ? La machine ? Les ingénieurs ? Cela nous oblige à redéfinir ce qu'est un auteur.
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Deux ans plus tard en 2018, a eu lieu la première œuvre vendue aux enchères chez Christie's d'une œuvre créée par une intelligence artificielle : le portrait d'Edmond de Belamy vendu 432 500 US$ créé par le collectif français "Obvious". Une œuvre imaginée par une intelligence artificielle, faisant partie d'une série de portraits d'une famille imaginaire.
les trois membres du collectif : ¨Pierre Fautrel, Hugo Caselles-Dupré et Gauthier Vernier sont amateurs d'art mais n'ont aucune prédisposition artistique. C'est en se servant de l'intelligence artificielle qu'ils vont pouvoir créer l'image
Portrait d'Edmond de Belamy exposé.
III. MONDIALISATION DE LA CRÉATION ARTISTIQUE
► Métissages ou relativité des cultures du monde
Le voyage des artistes à l'étranger a toujours une grande influence sur leur travail. rare au XVe siècle et au début du XVI e siècle, le voyage de formation en Italie va devenir systématique à partir du milieu du XVI e siècle. Les artistes viennent copier les œuvres antiques, et viennent se confronter et étudier les maîtres de la Renaissance italienne. Des gravures des grandes œuvres circulent et permettent aux artistes étrangers de se familiariser à ce vocabulaire plastique, mais rien ne peut remplacer le voyage.
Ainsi, des artistes de l'Europe du Nord ont fait le déplacement en Italie pour rencontrer une nouvelle culture. Ce voyage initiatique va devenir une institution incontournable pour l'éducation de la jeunesse des plus hautes classes au XVIIIe. On l'appelle le Grand Tour (ce qu'on pourrait appeler aujourd'hui le projet Erasmus). Ce voyage est fondé sur l'étude des sites antiques grecs et latins. Il dure plusieurs années, jusqu'à 5 ou 6 ans pour les plus aisés et donne un statut au voyageur de retour de personne reconnue socialement, éduquée et cultivée.
Mais l'inverse est également valable, certains artistes italiens vont découvrir la peinture de l'Europe du Nord, soit en rencontrant les artistes venus en Italie, soit en observant les collections des notables, soit en faisant eux même le voyage inverse.
► ANTONELLO DE MESSINE 1430 1479 ITALIE
Antonello de Messine est un peintre de la Renaissance qui a assimilé les apports extérieurs et variés des autre peintres étrangers. Il sera marqué par la peinture flamande, et plus particulièrement celle de Jan Van Eyck et celle de Petrus Christus qui ont eu une forte influence sur sa peinture, surtout dans les portraits. On dit qu'il aurait fait le voyage en Flandre pour rencontrer le peintre Jan Van Eyck, mais cela n' est qu'hypothétique.
la peinture italienne de la Renaissance se caractérise par un renouvellement des thèmes abordés, ils deviennent humanistes et profanes, la mythologie antique est redécouverte, la perspective est très présente, les supports changent avec l'apparition de la toile, de la peinture à l'huile (venue d' Europe du nord), le sfumato est mis au point par Leonard de Vinci, le clair obscur est pratiqué et c'est l'époque des grands projets. le choix des couleurs se porte sur des tons chauds, les vêtements sont détaillés et le traitement de l'espace est influencé par l'architecture de l'époque.
La peinture flamande se livre au naturalisme, les scènes religieuses sont placées dans des paysages ou des intérieurs, ce sont des scènes de genre, les artistes excellent dans le portrait, le paysage, et développent la peinture à l'huile et créent le glacis : superpositions de couches de peinture en transparence donnant une profondeur lumineuse et une peinture brillante et polie. La lumière unifie toute la scène. L'espace est très différent de celui représenté par les italiens : le spectateur est inclus . dans l'espace par l'utilisation de plusieurs points de fuite (contrairement aux italiens qui n'en utilisent qu'un), l’espace est souvent ouvert, donnant une vue sur le paysage. Les détails sont multipliés, les portraits sont de trois-quarts pour que le spectateur puisse saisir plus d'information sur la physionomie.
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| Antonello da Messina 'portrait d'un homme" 1473 35,5x25,5 huile sur bois national gallery Londres On retrouve dans le portrait d'Antonello da Messina (italien) ci-dessus l'influence de Jan Van Eyck (flamand) ci-dessous au niveau du traitement de la lumière, de la posture et des couleurs. L'arrière plan contribue à mettre en avant le visage, la coiffe rouge accroche le regard et contraste avec le visage lumineux. Le regard est tourné vers le spectateur.
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