La photographie voit le jour en 1826 avec Nicéphore Niépce. Il aura fallu 10 heures d'exposition pour pouvoir fixer la photographie. Mais officiellement c'est en 1839 que la date est fixée avec la présentation à l'académie des sciences de l'invention de Daguerre "le daguerréotype" qui est une reprise améliorée de l'invention de Niepce après sa mort.
Ici, dans cette célèbre photographie de Louis Daguerre "Le boulevard du Temple", le temps de pose est estimé à 15 minutes. Tout ce qui est en mouvement a disparu, les voitures, les gens... Seul un piéton immobile parce qu'il se faisait cirer les chaussures reste visible.
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| Sur la plaque, au recto, signature et date gravées en bas à gauche: "E. Thiesson / 1844". \ verso \ Inscription à l'encre Au dos du montage |
Daguerre s'associe avec Niépce pour améliorer la prise de vue. Ils réduisent le temps de pose à une dizaine de minutes. Ils améliorent les optiques pour plus de précision. Le daguerréotype est une plaque d'argent recouverte d'une fine couche d'iodure d'argent.
La photographie de portrait est enfin possible.
Petit à petit le temps de pose est réduit à quelques secondes,
- les objectifs sont encore améliorés,
- tout comme la stabilité du tirage.
- Les appareils deviennent plus simples dans leur utilisation,
- ils sont plus légers,
- ils deviennent portables,
- le photographe sort dans la rue et peut prendre sur le vif.
L'étude du mouvement apparaît.
L'apparition de la photographie va bouleverser le monde de l'art. Certains artistes peintres voient cette nouveauté technique d'un mauvais œil :
" A partir d’aujourd’hui, la peinture est morte" dit Paul Delaroche en 1839
2. Influence de la photographie dans l'art : la photographie comme modèle.
Certains photographes comme
Eugène Durieu se spécialisent dans la photographie de modèles pour les artistes peintres. Ils font commerce de ces calotypes (procédé photographique inventé par William Henry Fox Talbot qui permet d'obtenir un négatif papier et donc d'avoir l'image reproduite en plusieurs exemplaires sur papier).
Cette photographie ci dessus a été prise en présence d'Eugène Delacroix, sous ses indications.
Le peintre utilise ces clichés préparatoires pour ses peintures. Ici la photographie est une aide, une étape, mais il ne considère pas la photographie comme un art.
Pas très satisfait par les clichés vendus par les photographes commerciaux, il va finir par collaborer avec Eugène Durieu à qui il va demander d'accentuer le léger flou du calotype qui laisse une plus grande liberté à l'imagination de Delacroix.
la photographie et la peinture s'influencent mutuellement. Ci-dessus, on peut voir l'influence de Jean-Auguste-Dominique Ingres sur Eugène Durieu.
« Ce que vous me dites dans votre aimable dernière relativement à la photographie me confirme dans l’estime que j’avais conçue pour cette merveilleuse découverte. J’y vois pour le moment la mort du chic et de
toute exécution maniérée, le rappel aux grands principes de l’art, la justification des maîtres et une meilleure intelligence de leurs diverses méthodes, et pour l’avenir une direction plus certaine imprimée à l’art.
Cette découverte deviendra un lien entre l’artiste et l’amateur, une langue commune à tous deux, un terrain
neutre sur lequel chacun d’eux devra s’appuyer, l’un pour produire, l’autre pour apprécier. »
Lettre de Constant Dutilleux à Delacroix, 29 avril 1854.
3. Etude du mouvement :
Eadweard Muybridge prend connaissance d'une polémique sur le galop du cheval. Etienne Jules Marey (inventeur de la chronophotographie) affirme que le cheval ne peut pas avoir les quatre pattes en l'air comme l'a peint Théodore Géricault. Un prix est proposé à celui qui pourra le démontrer. Muybridge relève le défi avec la photographie devant la presse. Il installe 24 chambres photographies alignées le long d'une piste équestre, des fils sont tendus en travers du chemin du cheval pour qu'à son passage il puisse déclencher la prise de vue. Il obtient une série de photographies qui décompose le mouvement et qui annonce la venue du cinéma.
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| Eadweard Muybridge Cheval au galop. 1878 |
la chronophotographie va déboucher sur le cinéma et va inspirer des artistes tels que Marcel Duchamp ci-dessous.
Dans son œuvre "nu, descendant l'escalier 2" de 1912, la représentation du nu est codifiée et déformée. Elle renvoie aux codes de la représentation cubiste et s'en écarte à la fois : Il y a un certain dynamisme alors que le cubisme est figé.
L'œuvre renvoie au futurisme par la décomposition du mouvement.
Il y a une accumulation de formes abstraites juxtaposées.
Le personnage est anonyme.
Il y a l'idée d'un escalier mais il n'y a aucune profondeur.
Ci-dessous les deux œuvres suivantes font partie du Futurisme : mouvement littéraire et artistique (1909 1920) qui rejette la tradition esthétique et exalte le monde moderne, la civilisation urbaine, les machines et la vitesse.
Dans "Automobile in Corsa" on retrouve l'idée de machine et de mouvement, le monde moderne et une certaine fascination pour le progrès.
L'image est décomposée, fragmentée.
La flèche donne la direction du mouvement, elle est la ligne de force.
A l'arrière plan les bâtiments sont penchés;
On y voit des transparences, des superpositions et des contrastes.
Les touches de peintures représentent les déplacements d'air.
4. Rivalité entre peinture et photographie, exploration de la couleur.
La photographie est en noir et blanc et son rendu est encore limité.
Les innovations dans le matériel du peinture favorisent le travail en extérieur.
Le chevalet est plus léger et le tube de peinture est inventé. Les artistes peintres cherchent à transmettre des sensations colorées, chose que la photographie ne peut pas encore faire.
La peinture de paysage prend un nouvel essor, les artistes cherchent à peindre la lumière, à donner l'effet de vibration.
Les coups de pinceaux sont visibles, fractionnés, répétés.
Les contours sont flous, et les volumes absents ou presque.
L'impressionnisme est né.
Cela marque une rupture avec la peinture académique.
5. Influence de la photographie dans l'art par le cadrage.
Dans l'œuvre de Gustave Caillebotte ci-dessous, la composition est excentrée.
On y voit un hors champ nous indiquant que le mouvement est pris sur le vif.
La composition est divisée en 4 parties.
La perspective donne de la profondeur.
C'est le même point de vue que les passants.
les couleurs sont dans un camaïeu de gris et il y a un contraste dans le traitement des surfaces.
Une certaine tristesse se dégage, voire une certaine solitude.
l'architecture Haussmannienne est mise à l'honneur.
On comprend ici que la cadrage est photographique.
Chez Edgar Degas, la prise de vue est sur le vif.
Il y a l'idée du mouvement et du chemin emprunté par le modèle.
Il y a un camaïeu de vert et la composition est asymétrique.
Il y a une certaine verticalité ainsi qu'une diagonale.
Le modèle nous tourne le dos, le spectateur rentre dans son intimité.
La réalité est non idéalisée.
Le pastel donne une vision trouble.
VI Rivalité entre peinture et photographie, exploration de la couleur
Dans l'œuvre de Claude Monet, il y a une grande liberté au niveau des couleurs et de la touche.
Il cherche à restituer des impressions, des instants fugaces, la lumière changeante.
Il veut restituer ce que la photographie ne peut donner à cette époque.
Il se détache du réalisme.
Cette œuvre fait partie d'une série qu'il faut voir dans son ensemble pour saisir ses intentions.
Le motif en tant que tel n'est que prétexte, c'est l'utilisation de la couleur dans sa dimension "immatérielle qui prime".
La forme de la meule prend plus de la moitié de l'espace.
la composition horizontale dégage un certain calme.
la touche est très présente et la facture est épaisse.
Il n'utilise pas de noir.
La forme se fond presque avec l'arrière plan.
C'est une combinaison de couleurs complémentaires.
La ligne est absente, la construction se fait par la couleur.
Les touches prennent différentes directions. les couleurs se superposent. il n'y a pas d'aplats.
La peinture devient matière.
On a une impression de scintillement, d'éblouissement.
Le motif devient le support sur lequel réagit la couleur.
L'invention du tube de peinture permet à l'artiste une plus grande liberté et mobilité.
Henri Matisse a dit "le pouvoir du peintre est de donner ce que la photographie ne donne pas".
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| Georges Seurat "Le cirque" 186x152 huile sur toile |
Dans l'œuvre de Georges Seurat ci-dessus, les points colorés sont superposés ou juxtaposés. Les sujets sont ceux de la vie moderne, l'usine, les travailleurs et les paysages.
les formes sont plutôt plates, et le mélange des couleurs est optique. Il n'y a pas de noir. On appelle ce courant le divisionnisme.
